Come iniziare a dipingere a olio: natura morta passo passo

137infiniti: "Bottega d'arte pittorica" – Corso di pittura a olio online

Dopo aver comprato l'attrezzatura per dipingere siamo pronti per iniziare il primo lavoro. Vi propongo di realizzare una natura morta. Ho cercato di comporre il soggetto con alcuni oggetti facili da dipingere: credetemi, non è stato semplice trovare elementi che non presentassero particolari difficoltà, evitando oggetti metallici, di vetro, riflettenti o eccessivamente luminosi.

Ciononostante il lavoro è abbastanza articolato, ma non fatevi spaventare: io vi seguirò passo passo. Comprate una tela della misura 70 × 60 cm e iniziamo a dipingere. (Cliccando sulle foto delle singole fasi potrete aprirle nel formato ingrandito).

1. Cosa occorre per iniziare a dipingere: vasetti e gabbiotto

Se disponiamo di un cavalletto, metteremo la nostra tela su di esso; altrimenti la tela può essere appoggiata su una mensola o anche appesa a un paio di chiodi. Procuriamoci alcuni vasi di vetro da usare come contenitori: uno per i pennelli, uno per l'acqua ragia inodore, uno per l'olio di lino e uno per l'essenza di trementina.

In un vasetto abbastanza grande e alto ponete un gabbiotto metallico, ottenuto modellando a forma di cubo una rete acquistata in ferramenta. Riempite di acqua ragia inodore il vasetto fino a superare la rete metallica: in questo modo potete strofinare tranquillamente i pennelli per pulirli bene sia durante sia dopo il lavoro. Essendo il vaso alto, lo sporco si depositerà sul fondo lasciando l'acqua ragia pulita in superficie.

A proposito di olio di lino, trementina e miscele

In un altro vasetto ponete due parti di olio di lino crudo e una parte di essenza di trementina: questo miscuglio è ideale per sciogliere il colore. Gli altri due vasetti saranno utilizzati uno per l'olio puro e l'altro per l'essenza di trementina pura.

L'olio più usato nella pittura d'arte è l'olio di lino crudo: i colori diluiti con esso acquistano nel tempo maggiore forza cromatica e non diventano opachi. Volendo, lo si può schiarire esponendolo al sole in una bottiglia di vetro trasparente per alcuni mesi: più resta al sole, più diventa chiaro ed essiccativo.

Esiste in commercio anche l'olio di lino cotto (chiarificato, puro, purissimo): ha il pregio di far seccare i colori più in fretta, ma col tempo ingiallisce e scurisce le tinte, provocando zone di prosciugamento opache. Anche se alcuni pittori lo miscelano al crudo (75%–90% cotto), vi consiglio di usare sempre olio di lino crudo. Userete quindi l'acqua ragia per pulire i pennelli, l'olio diluito per sciogliere il colore quando preparate le tinte, e l'olio o la trementina tal quale per regolare la consistenza del colore prima dell'uso.

2. Imprimitura e preparazione della tela

Le tele in commercio sono già pronte per dipingere e possono essere utilizzate tal quali. Tuttavia il colore rende meglio e assume più corpo se prepariamo la tela in questo modo:
• Prima mano: olio di lino crudo miscelato con un po' di essenza di trementina e bianco di titanio.
• Seconda mano: bianco di titanio poco diluito con olio di lino crudo ed essenza di trementina.

Si sparge il colore con un pennello piatto grande da muratore n° 3 e/o una spatola, avendo cura di attendere tra una mano e l'altra che il colore secchi quasi completamente (evitate di esporre la tela al sole per farla asciugare prima, altrimenti ingiallisce). Si usa il bianco di titanio e non quello di zinco perché quest'ultimo tende a incrinarsi; il bianco di titanio è elastico (anche se tende leggermente a ingiallire) ed è quindi più appropriato per il fondo, lasciando il bianco di zinco agli strati superiori.

Con la nostra "natura morta", trattandosi del primo lavoro, possiamo evitare di preparare la tela: non dobbiamo aspettarci un capolavoro, ma comprendere il procedimento tecnico. Anche se il dipinto risulterà un po' diverso dall'originale non ha importanza: ciò che conta è ottenere un buon equilibrio pittorico.

3. Il disegno sulla tela

Trattandosi di una copia, possiamo facilitare il lavoro ricorrendo a un piccolo trucco: scaricate la foto modello, stampatela (almeno 15 × 15 cm), fatene una fotocopia ingrandita e trasferite il disegno sulla tela con un buon foglio di carta copiativa. Se vi sentite sicuri, potete usare il sistema del reticolo o procedere a mano libera.

Fate molta attenzione: se il disegno presenta imperfezioni, difficilmente il risultato finale sarà buono. Nel nostro caso l'oggetto che richiede la massima cura è la brocca: un errore sulla sua simmetria si noterebbe subito, mentre una piccola variazione sulla forma della melanzana o del peperone passa molto più inosservata.

4. Lettura dei colori (16 pigmenti)

Analizziamo i colori principali che compongono il dipinto (se desiderate, potete apportare anche vostre variazioni cromatiche):

Fondo: Bruno Van Dick, Terra di Siena naturale e bruciata.
Piano d'appoggio: Bianco di titanio, Bruno Van Dick, Terra di Siena naturale e bruciata.
Brocca: Bianco di titanio, Terra di Siena naturale, Verde permanente scuro.
Melanzane: Bruno Van Dick, Blu di Prussia e Blu di cobalto scuro.
Peperoni rossi: Lacca di garanza scura, Rosso di cadmio, Vermiglione chiaro.
Peperone giallo: Giallo di cadmio scuro, Giallo permanente scuro, Giallo primario.
Gambi: Terra verde e Verde di cadmio.

5. L'abbozzo

L'abbozzo è la base strutturale del dipinto e va curato con attenzione. In genere si impiegano tinte sobrie e terre (evitando le lacche). Il colore va steso in modo uniforme seguendo con il pennello il movimento della forma di ciascun oggetto per suggerirne la plasticità, evitando rilievi spessi e accostando le campiture come tessere di un mosaico senza sfumarle. Per questo abbozzo avanzato ho usato 7 colori: bruno Van Dick, terra di Siena naturale, terra verde, blu di cobalto scuro, rosso di cadmio, giallo permanente scuro e bianco di titanio.

6. Prima stesura dei colori (ad abbozzo secco)

Solo se l'abbozzo si è seccato bene i colori successivi acquisteranno pieno splendore. In questa prima stesura non si definiscono ancora i minuti particolari, ma si costruiscono i volumi rispettando la direzione delle luci, con pennellate sciolte e veloci.

Regola fondamentale: quando dipingete un oggetto, riportate dei richiami della stessa tinta anche sugli altri oggetti e sullo sfondo, in modo da legare cromaticamente la composizione ed evitare stacchi netti. Fin qui il tempo impiegato è stato di circa 3 ore distribuite in almeno 3 giorni.

7. Seconda stesura dei colori, tinte e zone prosciugate

In questa fase precisiamo sia il disegno sia le cromie. Non si lavora più per singoli oggetti, ma per tinte: ogni miscela preparata sulla tavolozza viene applicata su tutti gli elementi del dipinto che contengono quella stessa nota cromatica. (Ricordiamo la distinzione tecnica: si chiama colore il pigmento puro — o schiarito/scurito con bianco e nero per variarne il tono — mentre si definisce tinta la mescolanza di due o più colori diversi).

Come recuperare le zone prosciugate: arrivati all'80% del lavoro possono comparire zone opache e spente perché l'abbozzo ha assorbito l'olio dello strato superiore. Per ravvivarle, intingete un pennello piatto n° 6 nell'olio di lino, strofinatelo su uno straccio pulito (ripetendo due o tre volte) e passate il pennello appena unto con piccoli movimenti circolari sulla parte prosciugata.

8. I lavori eseguiti dagli allievi

Il lavoro a questo punto è terminato: si potrebbe andare ancora oltre, ma ritengo l'immagine ottenuta abbastanza somigliante e mi fermo qui. Qui sotto potete ammirare le interpretazioni di questa stessa natura morta realizzate dagli allievi e dagli appassionati che hanno seguito la lezione passo passo. (Cliccate sulle opere per ingrandirle).

Se volete riprodurre anche voi questo dipinto, fare qualche domanda o mostrare il vostro risultato, segnalatelo nella Bottega dei Pittori.